lunes, 30 de marzo de 2015

NUEVO VIDEOCLIP DE ELEFTHERÍA ARVANITAKI


El más reciente vídeoclip de la cantante Elefthería Arvanitaki, lanzado hace tan solo unos días, lleva por título Το νυφικό (El vestido de novia). Se trata de la canción que suena durante los títulos de inicio de la exitosa serie Πέτρινο ποτάμι (Río de piedra), que emite actualmente la televisión pública chipriota.

El autor de la banda sonora de la serie es el compositor Costas Cacoyannis, mientras que las letras de las canciones son obra del escritor y poeta Pambos Kouzalis. Ambos creadores son también los fundadores de la Organización Cultural Parakentro, en cuya sede, situada en las montañas de Troodos, en Chipre, fue realizado el videoclip.

Imágenes de Elefthería Arvanitaki interpretando la canción y de Costas Cacoyannis tocando diferentes instrumentos como el clarinete, el piano, las percusiones, la flauta o el violín, se alternan en el vídeo con varias secuencias de la serie.

El disco compacto de la banda sonora de Río de piedra contiene veinte temas instrumentales además de dos canciones interpretadas por Arvanitaki y un emotivo tema cantado en dialecto chipriota por el propio compositor.

El CD puede adquirise en formato digital a través de Amazon e iTunes, o escucharse gratuitamente en Spotify, escribiendo en el buscador Petrino potami.

Elefthería Arvanitaki - "El vestido de novia"
Música: Costas Cacoyannis
Letra: Pambos Kouzalis

Enlace:



sábado, 28 de marzo de 2015

FESTIVAL DE MÚSICA GRIEGA EN LAREDO (CANTABRIA)



La Asociación Sociocultural Filohelena “Periplo”, con el patrocinio del Ayuntamiento de Laredo, organiza Kalimera Laredo (Buenos días Laredo), un festival innovador que pretende acercarnos a la música griega tradicional a través de un programa de actividades amenas y variadas. Durante cuatro días tendremos la oportunidad de conocer la música del país heleno desde sus orígenes hasta nuestros días. Se dará especial énfasis al rebético, la música popular urbana cuyos orígenes datan de finales del siglo XIX, compartiendo similitudes con géneros como el blues, el tango argentino, el fado o el flamenco. El festival, que tendrá lugar del 9 al 12 de abril, se compone de una charla, un taller musical, un concierto de rebético y la proyección de una película. Al mismo tiempo, como una actividad paralela que viene a complementar el programa, se ofrecerá una exposición que nos transportará hasta el Peloponeso a través de la mirada del reconocido fotógrafo griego Andreas Zacharatos. Se trata de una propuesta original de la que pueden disfrutar todos los públicos.

VI 10 ABR, 19:00 H / CASA DE CULTURA
CHARLA: LA MÚSICA GRIEGA DESDE SUS ORÍGENES HASTA LA ACTUALIDAD, CON SPYROS KANIARIS
Presentación de la historia de la música tradicional griega desde la época antigua hasta nuestros días a cargo del músico griego Spyros Kaniaris. Se explicarán los orígenes, los elementos histórico-culturales, las formas, melodías y ritmos y su incorporación en la cultura actual de Grecia, con especial atención a los compositores contemporáneos Manos Jatsidakis, Mikis Theodorakis, Yannis Markopoulos y Stavros Xarchakos. Los asistentes están invitados a participar en el coloquio posterior.

SA 11 ABR, 10:30 - 14:00 H / CASA DE CULTURA (AULA DE MÚSICA)
TALLER MUSICAL: LA MÚSICA GRIEGA TRADICIONAL, CON SPYROS KANIARIS
En este taller se explicarán y practicarán los ritmos y los modos (escalas) de la música tradicional griega y el rebético. Se trabajarán temas característicos de varias regiones de Grecia. Va dirigido a instrumentistas de cualquier especialidad, aficionados, profesionales o principiantes. Los participantes pueden llevar sus instrumentos: guitarra, flauta travesera, rabel, percusión, cuerdas, bouzouki u otros instrumentos tradicionales. No se requieren conocimientos de solfeo, aunque habrá partituras.

SA 11 ABR, 20:00 H / CASA DE CULTURA                                        
CONCIERTO: REBÉTICO, EL BLUES GRIEGO, CON NICOLAS SYROS & STELIOS PAJIS (BOUZOUKI, GUITARRA & VOZ)
El prestigioso virtuoso del bouzouki Nicolas Syros y el guitarrista Stelios Pajis ofrecerán un concierto de rebético, cuyo objetivo será acercar al público a este género tradicional griego. Será un espectáculo entretenido, que invitará a reflexionar sobre lo mucho que comparten géneros musicales como el blues, el flamenco, el fado, el tango argentino y también el rebético, que exponen los sentimientos más arraigados del ser humano.

DO 12 ABR, 19:00 H / CASA DE CULTURA                        
CINE: REMBÉTICO (1983, 150´), DE COSTAS FERRIS
El drama musical Rembético está basado en la vida de la cantante Marika Ninou (Esmirna, 1919 - Atenas, 1956) y enmarcado en la convulsa historia de Grecia de la primera mitad del siglo XX. Tras las guerras entre Grecia y Turquía, el Tratado de Lausanne forzó el desplazamiento de dos millones de griegos de Asia Menor, que se establecieron en míseras barriadas de Atenas y Salónica. Sin trabajo ni raigambre, los desplazados conservaron empero sus tradiciones musicales –el rebético–, un tesoro oculto que esta película rememora. Rembético fue nominada al Oso de Oro en la 34ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín en 1984, y ganó el Oso de Plata. Sotiria Leonardou ganó el premio a la "Mejor Actriz" en 1983 en el Festival Internacional de Cine de Salónica por su interpretación de Ninou y la película ganó como "Mejor Película", además de otros tres premios (dos premios a "Mejor Actor de Reparto" y otro para la música de Stavros Xarchakos). La película se proyectará en versión original en griego con subtítulos en castellano. Es apta para personas mayores de 15 años.

ACTIVIDAD PARALELA
JU 9 ABR - 3 MAY / HORARIOS: VI 19:00 - 21:30 H, SA 12:30 - 14:30 H / 19:00 - 21:30 H & DO 12:30 - 14:30 H
INAUGURACIÓN: JU 9 DE ABRIL, 20:30 H / ESPACIO CREATIVO SALA RÚAS, RÚA DEL MEDIO 1
EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: MANI DE PIEDRA Y TIEMPO, DE ANDREAS ZACHARATOS                                   
Exposición del trabajo Mani de piedra y tiempo del fotógrafo griego Andreas Zacharatos que presenta una región del Peloponeso poco conocida a extranjeros y turistas, una zona donde el sol y la piedra no solo caracterizan la morfología de su paisaje, sino también labran la idiosincrasia de sus habitantes. La inauguración tendrá lugar el 9 de abril a las 20:30 horas en el Espacio Creativo Sala Rúas, situado en la Puebla Vieja de Laredo. Tras el acto de inauguración, Spyros Kaniaris ofrecerá una actuación interpretando en la guitarra piezas emblemáticas de la música griega contemporánea.

BIOGRAFÍAS DE LOS ARTISTAS
Spyros Kaniaris
Nació en Atenas, donde estudió guitarra clásica obteniendo el título superior con cum laude. Amplió sus estudios en un máster en el Colegio Real Superior de Música en Cardiff-Gales, donde estudió música antigua. Como concertista ha dado numerosos recitales en Gran Bretaña y Grecia, donde fundó el año 2000 el grupo de fusión mediterránea Φλατοθράτ. Su interés por el flamenco le llevó a instalarse definitivamente en España donde continúa su investigación musical sobre otros instrumentos mediterráneos (lira, bouzouki) y formas de expresión musical, sobre todo con el grupo Krama, con el que ganó el Premio 2010 Ovidi Montllor en la categoría de mejor disco de música folk. A su vez, ha colaborado en conciertos y grabaciones con bandas y músicos de España, Marruecos y Grecia como Al Tall, Quamlibet, Savina Giannatou y Primavera en Salonico, Capella dels Ministrers, Miquel Gil, Aljub, Orquesta Árabe de Barcelona, Mawali y otros. Ha participado en varios conciertos en salas y festivales en Inglaterra, Italia, Alemania, Francia, Hungría, Malta y México. Ha sido colaborador del programa La bañera de Ulises de Radio3.

Nicolas Syros
Nació en una familia de músicos de la isla griega de Skópelos. Empezó a tocar el bouzouki a una edad muy temprana, siendo autodidacta. A los 16 años conoce a Marcos Vamvakaris, el patriarca del rebético, quien será su profesor, igual que otros grandes maestros del género como Tsitsanis, Papaioannou y Mitsakis. Desde 1981 reside en Francia. Ha colaborado con eminentes personajes de las artes y las letras, tanto griegos como filohelenos, desde Georges Moustaki hasta Vasilis Alexakis y Jacques Lacarriere. Además, ha participado como solista en importantes conciertos realizados en multitud de países extranjeros, interpretando a menudo temas de Theodorakis, así como poesía griega musicalizada. Su álbum Το παλιό μας σπίτι (Nuestra vieja casa) sigue siendo desde 1986, año en que se editó, el tercer disco de rebético más vendido en Grecia.
Página web: www.nicolassyros.com

Stelios Pajis
Guitarrista y cantante de rebétiko desde 1992, es colaborador estable de Nicolas Syros, a quien acompaña en sus actuaciones tanto dentro del país heleno como en el extranjero.

Andreas Zacharatos
Realizó estudios de cine, fotografía y televisión. En 1985 inicia su carrera como director de fotografía en producciones cinematográficas y televisivas. Desde 1989 trabaja como director de fotografía para la televisión pública griega (antes ERT, actualmente NERIT). Ha realizado numerosas exposiciones y ha sido premiado en varios concursos de fotografía tanto en Grecia como en otros países de Europa.

La entrada es gratuita a todos los actos. En cuanto al taller musical, recomendamos que avise de su asistencia para preparar el material necesario para su seguimiento (correo electrónico: info@asociacionperiplo.es).

INFORMACIÓN:
Tel: 663684013

ORGANIZA:
ASOCIACIÓN SOCIOCULTURAL FILOHELENA PERIPLO

PATROCINA:
AYUNTAMIENTO DE LAREDO - CONCEJALÍA DE CULTURA

COLABORAN:
CASA DE CULTURA
ESPACIO CREATIVO SALA RÚAS
TRIVIUM TEATRO ACCIÓN
PERIÓDICO PÁGINAS


jueves, 26 de marzo de 2015

DE BAEZA A ATENAS

Un momento del rodaje del vídeo en Atenas

El pasado día 19 de febrero el grupo de alumnos de Humanidades se trasladó hasta las Ruinas de San Francisco para dar comienzo a la grabación de un vídeo con el que el que el Instituto Santísima Trinidad de Baeza (Jaén) participará por tercer año consecutivo en el Concurso “Yo conozco mi herencia, ¿y tú?” convocado por la Asociación de Profesorado de Latín y Griego de Murcia (AMUPROLAG). Esta iniciativa nació a finales del año 2012 como respuesta reivindicativa contra los recortes que la próxima Ley de Educación (LOMCE) planteaba sobre nuestras asignaturas y a lo largo de estos años ha ido incorporando a centros de Secundaria y Bachillerato de otros países europeos (Grecia, Italia, Francia).

En esta ocasión el tema escogido para el rodaje de los vídeos escolares ha sido el de las Instituciones Políticas Grecolatinas, seguramente por el clima de tensión que se vive actualmente en gran parte de los países europeos, debido a la preocupante crisis económica y al descubrimiento de numerosos escándalos de corrupción dentro de los partidos políticos.

Una instantánea del rodaje en Baeza

Aprovechando que este año se conmemora el 2.500 aniversario del nacimiento de la Comedia griega, se seleccionó un pasaje de la Lisístrata de Aristófanes en el que la protagonista explica al Comisario ateniense cómo las mujeres van a salvar al país. Lo que están acostumbradas a hacer con la lana, eso mismo lo aplicarán a la política para resolver la crisis. Sobre estos versos, de sorprendente actualidad, se teje una breve historia en la que dos jóvenes del siglo XXI se preguntan a quién votarán en las próximas elecciones. Casualmente uno de ellos está leyendo en esos momentos el texto de Aristófanes y eso les permite trasladarse hasta la Atenas del s. V a.C.

Por suerte este mismo año el Departamento de Cultura Clásica del Instituto había programado un viaje a Grecia desde el día 25 de febrero hasta el 2 de marzo, por lo que se pensó que el fragmento cómico se rodase a los pies de la mismísima Acrópolis. Así, el alumnado de Humanidades grabó distintas tomas aprovechando los recintos arqueológicos (Atenas, Delfos) y el escritor Pedro Olalla, residente en Atenas, aceptó nuestra invitación para colaborar en el vídeo dando su opinión sobre la situación política que se está viviendo tanto en Grecia como en España.

Profesor y alumnos en Atenas junto a Pedro Olalla 

Como broche final, los alumnos han aprendido una canción griega que cantan y bailan como auténticos griegos. El tema musical en cuestión es de Manos Hatzidakis, de cuyo nacimiento también este año se conmemora el 90 aniversario, y la letra es una adaptación libre en castellano de uno de los cantos corales de la Lisístrata en el que las mujeres aplauden la forma de pensar de su líder y bailan en grupo con alegría a pesar de los contratiempos. Todos agarrados bailan en círculo mientras cantan el final de la canción: “Conocemos nuestra herencia, nadie nos la va a quitar”.

"Yo conozco mi herencia, ¿y tú?" 2015 
IES Santísima Trinidad de Baeza

El vídeo acaba de obtener el segundo premio
Συγχαρητήρια παιδιά! 

domingo, 22 de marzo de 2015

sábado, 21 de marzo de 2015

KOSTÍS PALAMÁS - "UNA AMARGURA"

Kostís Palamás (Patras, 1859 - Atenas, 1942)

Una amargura

Mis primeros años inolvidables viví
junto a la playa,
en ese el mar somero y manso,
ancho y grande.

Y cada vez que ante mí
recién florida la vida
se presenta,
suspiras, mi corazón, por el mismo deseo:
¡Ojalá volviera a vivir allí!

Mi suerte es una sola, mi gracia es esta,
no he conocido otra:
Un mar en mis adentros como un lago grande
dulcemente extendido.

¡Y ahí está!, el sueño me trajo
tan cerca otra vez
ese mar somero y manso,
ancho y grande.

Mas a mí, ¡ay!, una amargura me amargaba,
una amargura grande,
¡y tú no endulzaste
aquella primera pena, mi playa apacible!

Qué tempestad se alzaba en mi interior
y qué vendaval,
que no arrullaste y no amainaste,
mi playa apacible.

Una amargura taciturna, una amargura inexplicable,
una amargura grande,
la amargura que indeleble se halla en el paraíso
de nuestros primeros años junto a la playa.

Kostís Palamás


Traducción de Vicky Rouska sobre la adaptación del poema de Palamás realizada por el cantautor Fivos Delivoriás para la canción que pueden escuchar en este vídeo:




Μια πίκρα

Τα πρώτα μου χρόνια τ' αξέχαστα τα 'ζησα
κοντά στ' ακρογιάλι,
στη θάλασσα εκεί τη ρηχή και την ήμερη,
πλατιά και μεγάλη.

Και κάθε φορά που μπροστά μου η πρωτάνθιστη
ζωούλα προβάλλει,
στενάζεις καρδιά μου το ίδιο αναστέναγμα:
Να ζούσα εκεί πάλι

Μια μένα είναι η μοίρα μου, μια μένα είν' η χάρη μου,
δεν γνώρισα κι άλλη:
Μια θάλασσα μέσα μου σα λίμνη γλυκόστρωτη
γλυκιά και μεγάλη.

Και να! μεσ' στον ύπνο μου την έφερε τ' όνειρο
κοντά μου και πάλι
τη θάλασσα εκεί τη ρηχή και την ήμερη,
πλατιά και τη μεγάλη.

Κι εμέ, τρισαλίμονο! μια πίκρα με πίκραινε,
μια πίκρα μεγάλη,
και δε μου τη γλύκαινες
της πρώτης λαχτάρας μου, καλό μου ακρογιάλι!

Ποια τάχα φουρτούνα φουρτούνιαζε μέσα μου
και ποια ανεμοζάλη,
που δε μου την κοίμιζες και δεν την ανάπαυες,
καλό μου ακρογιάλι

Μια πίκρα είν' αμίλητη, μια πίκρα είν' αξήγητη,
μια πίκρα μεγάλη,
η πίκρα που είν' άσβηστη και μεσ' τον παράδεισο
των πρώτων μας χρόνων κοντά στο ακρογιάλι.

Κωστής Παλαμάς

Kostís Palamás – “La tumba” 
Colección Romiosyne
Editorial Point de Lunettes (Sevilla, 2015)  

Kostís Palamás nació en Patras en 1859. Tras perder a su padre y a su madre a la edad de siete años, pasó el resto de su infancia junto a su tío Dimitris en Mesolongi. Comenzó a escribir poemas a los nueve años. En 1875 partió a Atenas para estudiar Derecho, pero pronto abandonó sus estudios para dedicarse a la literatura. Tras casarse con María Valvi, en 1897 fue nombrado secretario de la Universidad de Atenas, cargo que mantuvo hasta su jubilación en 1928. Murió en Atenas en febrero de 1943.

Considerado como uno de los principales renovadores de las letras griegas contemporáneas, Palamás, al optar por escribir su obra en la lengua del pueblo (griego demótico o dimotikí) abrió un nuevo camino de expresión lírica que ha sido seguido por la mayor parte de los poetas posteriores hasta hoy.

Conocido mundialmente por ser el autor de la letra del Himno Olímpico, escribió una extensa obra poética de la que cabe destacar Canciones de mi patria, Himno a Atenas, El dodecálogo del gitano o La tumba, escrita con motivo de la prematura muerte de su hijo Alkis, poco antes de cumplir los cuatro años. Esta última obra ha sido editada recientemente por la editorial Point de Lunettes, en su Colección Romiosyne, traducida por Juan Antonio Pérez, Juan Francisco Reyes y José Manuel Ruiz.  


Con la publicación de este poema de Kostís Palamás celebramos el 
Día Mundial de la Poesía 2015 


viernes, 20 de marzo de 2015

"PAPORIAS" EN EL FESTIVAL DE CINE DOCUMENTAL DE TESALÓNICA


El cineasta y fotógrafo Stratís Vogiatzís presenta “Paporias”, un filme sobre uno de los últimos artesanos de la construcción naval en madera en Grecia, en la XVII edición del Festival de Cine Documental de Tesalónica.

Dimitris Morakis "Paporias"

La construcción artesanal de embarcaciones en madera está desapareciendo en todo el mundo. También en Grecia, país de enorme tradición marinera, es un oficio en vías de extinción. Sin embargo, en algunas islas griegas todavía quedan unos pocos artesanos empeñados en que su oficio no desaparezca. Uno de ellos es Dimitris Morakis, conocido también por el sobrenombre de Paporias. Miembro de una familia que vivió durante siglos en las costas de Asia Menor, Paporias, el protagonista del documental, vive en la isla de Quíos y desde los doce años se dedica a la construcción artesanal de embarcaciones de madera. Trabaja duramente cada día, desde hace más de cuarenta años, y considera que su oficio es el arte de transformar un elemento natural (la madera) en una obra humana que combina técnica, tradición y arte. Paporias piensa que su trabajo, su arte, debe legarse a las nuevas generaciones porque, según sus propias palabras, “esa conversación primitiva entre el árbol y el mar, con el hombre como intermediario, no debería terminar nunca”.

La película se estrenó ayer, 19 de marzo,  en el Festival de Cine Documental de Tesalónica y volverá a proyectarse mañana sábado, a las 13:00 horas, en la Sala Stavros Tornes.



Paporias - (Grecia, 2015)
Dirección / Fotografía: Stratís Vogiatzis
Guión: Stratís Vogiatzís, Yannis Adrimis
Montaje: Gogo Bébelou
Música: Vasilis Dokakis
Producción: Caravan Project


lunes, 16 de marzo de 2015

VINICIO CAPOSSELA PRESENTA EN BARCELONA SU "TEFTERI" (EL LIBRO DE LAS CUENTAS PENDIENTES)



El cantautor y multiinstrumentista italiano Vinicio Capossela, acompañado de la editora Valeria Bergalli y del guitarrista Dimitris Mistakidis, presentará el próximo jueves, 19 de marzo, la edición española de su Tefteri, su cuaderno de Grecia. El acto, incluido en el marco de la VIII Fiesta de la Literatura Amplificada, tendrá lugar a las 21.30h, en ‎Kosmopolis2015 en el Centre de Cultura Catalana de Barcelona (CCCB), c/ Montalegre, 5

«Crisis: un concepto afín al rebético, que es una música nacida de una separación, y también afín a la propia Grecia, de la que Europa se está separando», afirma Vinicio Capossela en las primeras páginas de Tefteri. El libro de las cuentas pendientes (Editorial Minúscula, 2014). Capossela recorrió las calles de Grecia el año de la quiebra financiera: un viaje musical y emocional por las tabernas de Atenas, Salónica y Creta donde los griegos redescubren el rebético, una música en la que resuenan el poderoso vínculo entre Oriente y Occidente, el dolor, la ausencia y la rabia, y a la que el italiano dedicó su disco Rebetiko Gymnastas en 2012. 


Vinicio Capossela en La Pasión Griega:






El nostre agraïment a la 
Llibreria Roca
C/ La Cort, 5
43800 - Valls (Tarragona)

miércoles, 11 de marzo de 2015

LA INVENCIÓN DEL CUERPO CLÁSICO



LA INVENCIÓN DEL CUERPO CLÁSICO
Ciclo de conferencias

17 de marzo
Evridiki Kephalidou
“El adorno del cuerpo en los atletas vencedores”

24 de marzo
Carmen Sánchez
“La invención del cuerpo en la Grecia clásica”

7 de abril
Domingo Plácido
“El origen del desnudo en la Grecia clásica”

14 de abril
Antonio Alvar
“Mitos y leyendas sobre la creación del hombre en Grecia y Roma”

21 de abril
Manuel Bendala
“Roma y sus tabúes frente al desnudo escultórico griego: 
adopción pudorosa y transformación triunfal”


Salón de Actos del Museo de San Isidro
Plaza de san Andrés, 2 – Madrid
19:00 horas -  Entrada libre


domingo, 8 de marzo de 2015

EL "TEATRO MICROSCÓPICO" DE ANASTASÍA LYRA

El "Teatro Microscópico", en el corazón de Atenas

El Teatro Microscópico es un espacio artístico situado en una casa del siglo XIX del céntrico y pintoresco barrio ateniense de Plaka. La idea de convertir esta antigua vivienda en un centro para el arte fue de la bailarina y coreógrafa Anastasía Lyra, que contó para ello con la colaboración de los arquitectos Naná Koukiadi y Andreas Delivoriás.

El edificio se encuentra entre los sitios arqueológicos del Ágora Romana y la Biblioteca de Adriano, a poco más de 150 metros de la estación de Monastiraki. Su espacio incluye dos escenarios, en la primera y la segunda planta del teatro, en cuyos cimientos coexisten partes del Ágora Romana de Atenas y de edificios del siglo I a.C.

Eva Pagoulatou interpreta "Tu Amor en Tiempo Puro"

El Teatro Microscópico se inauguró en 2008, en el marco del Festival de Atenas y Epidauro, con la representación del espectáculo de danza contemporánea Tu Amor Revolucionario, y fue diseñado como un espacio en el que pudieran ser observados y explorados el espacio, el tiempo y el cuerpo humano como componentes fundamentales de la danza, la más efímera de las artes, que se encuentra aquí con los milenarios e imponentes muros romanos que determinan el escenario. Espacio, espectáculo y bailarines introducen, por tanto, al espectador –situado literalmente dentro de la tierra- en la cuestión del tiempo, de lo breve y lo permanente. La capacidad del teatro depende de la colocación de los asientos según las necesidades de cada representación pero, en cualquier caso, no suele exceder de 60 personas. Son esas reducidas dimensiones las que ofrecen al público la inusual oportunidad de estar a muy escasa distancia de los bailarines y disfrutar de una visión prácticamente microscópica del espectáculo.

Athina Kyrousi interpreta "La Muchacha y el Mar"

La temporada de representaciones 2014-2015 del Teatro Microscópico comenzó el pasado mes de noviembre y se prolongará hasta el próximo 6 de junio. Los espectáculos tienen lugar el primer y último sábado de cada mes y combinan coreografías de danza contemporánea en las que tienen cabida, por ejemplo, la música clásica, el tango, el flamenco y la improvisación. No son pocas la obras que, inspiradas por la música de maestros como Paco de Lucía o Astor Piazzolla, están tituladas directamente en español: Tu Amor Revolucionario, Un Tango Horizontal, Tu Amor a Contrarreloj, Tu Amor en Tiempo Puro, Mar del Tiempo


Teatro Microscópico- Temporada 2014- 2015
Hasta el 6 de junio de 2015
Dexippou 5 - Plaka (Atenas)
Reservas por teléfono:
6976-899269 & 210-6515870

Sobre Anastasía Lyra
Anastasía Lyra, la creadora del Teatro Microscópico, nació en Kastoriá, en la región griega de Macedonia Occidental. La fisionomía bizantina y la belleza de su ciudad natal, junto a las raíces pondias de su padre, determinaron su identidad como bailarina. Estudió en la escuela Estatal de Danza de Atenas entre 1973 y 1977. Allí tuvo la oportunidad de aprender junto a maestros como Koula Pratsina (improvisación y composición), Olympia Gelodari (Danza clásica), Keti Romanou (Historia de la Música) y Marina Lambraki-Plaka (Historia del Arte). Posteriormente, estudió Historia de la Danza en la Universidad de Nueva York (NYU), donde obtuvo el diploma de Master Of Arts. De importancia decisiva en su carrera como bailarina y coreógrafa fue su aprendizaje junto a Robert Ellis en la Universidad de Columbia. En 1982 regresó a Grecia y comenzó a impartir clases de danza contemporánea en escuelas profesionales. Desde entonces desarrolla su actividad profesional tanto en su país como en el extranjero y colabora con importantes personalidades del mundo de la música y la danza.

Sitio web del Teatro Microscópico:

Teatro Microscópico en Facebook:




viernes, 6 de marzo de 2015

VER EL SONIDO, ESCUCHAR LA IMAGEN

Remember we are out there [Recuerda, estamos allí fuera] 
de Jana Tziveleki, 
parte del proyecto de Anna Stereopoulou «c i r c e :the black cut:»

Imágenes. Sonidos. Palabras. Dos mujeres. Dos creadoras. Dos griegas. Anna Stereopoulou, compositora de música y traductora de sueños, y Jana Tziveleki, artista visual y aprendiz de la escritura, se reúnen con motivo del Día Internacional de la Mujer y conversan sobre el Arte, sus experiencias como mujeres creadoras y las maneras que han elegido de comunicarse con el mundo. 

Anna Stereopoulou: Jana, aparte de la necesidad personal de expresarte, ¿cuál es la fuerza motriz que te motiva a crear y a comunicarte? ¿Consideras que como mujer creadora hay alguna diferencia –positiva o negativa- en tus obras y en cómo están tratadas por parte del público y de los intermediarios?  

Jana Tziveleki: Pues, diría que mi respuesta yace dentro de tu pregunta. El placer de poder crear, de expresar las contradicciones que llevamos dentro y de llegar a comunicarme con otras personas, esto funciona en sí como la fuerza motriz para mí. Dicho esto, creo que cada uno de nosotros tiene una inquietud de buscar su manera personal de enfrentarse a la vida –y consecuentemente a la muerte-, de combinar sus vivencias personales con lo efímero de la vida. Digamos que cada uno vive una versión personalizada de lo que es la vida. Así que uno decide por ejemplo crear una familia, otro da más importancia a los bienes materiales, algunos hacemos Arte.  Como Mujer Creadora, no pienso que haya diferencias a la hora de crear, más que las diferencias que caracterizan a cada ser humano. Pero quizás las hay en lo que se percibe de fuera. Por ejemplo, pienso que en un principio para una mujer hay cierta facilidad para ocuparse de cosas creativas. Lo digo porque, incluso en nuestros días la sociedad espera que la mujer sea más sensible,  que se exprese de varias formas, que cree cosas, por ejemplo para la casa. Considero que el tema empieza a cambiar y a hacerse más difícil cuando todo esto ya no es un “hobby” para la mujer, algo que hace en su tiempo libre para pasar el rato, sino algo a lo que decide dedicar su vida por completo, construir un trabajo propio desde su creatividad, dejando otras cosas aparte. Porque de esta manera algunos piensan que la mujer creadora se contradice con los otros roles que tiene como mujer, esposa o madre y eso pasa incluso ahora que se supone que hemos avanzado bastante en la sociedad contemporánea. Porque los tópicos dicen que el primer interés de la mujer es cuidar a los demás, dar a luz y ofrecer.  Y cuando una mujer elige hacer algo diferente, pues por lo menos al principio llama la atención. De eso trata también el ciclo de Mujeres Artistas que organizo en este período, sobre cómo actuaron en su época ciertas mujeres artistas, más o menos famosas en la historia del Arte, y de qué manera fueron tratadas por sus contemporáneos. Me interesa mucho el tema, es un curso que yo seguí cuando vivía en España, en Zaragoza, y de los datos que tenemos sabemos que hay muy pocas mujeres artistas por ejemplo exponiendo en los museos cuando al mismo tiempo hay un gran número de obras de mujeres como modelos que pertenecen a hombres artistas obviamente. No buscamos sino la igualdad de género en todos los aspectos y que no se considere menos importante el Arte cuando se hace por mujeres. Yo personalmente no he encontrado problemas en mi trabajo, quizás porque mi camino hasta ahora es poco ortodoxo. Pero diría que sí que hay una sorpresa cuando la gente ve que mi obra no es algo decorativo o que no lo hago para pasar el rato, mientras sueño con otras cosas en la vida.

Y para ti, Anna, ¿qué importancia tiene el hecho de ser una Mujer Creadora en el ámbito de la música y cómo te influye en todo el proceso de tu trabajo, desde la inspiración y la composición de una pieza hasta la promoción final? 

A.S.: Bueno, durante mi estancia en Inglaterra, tanto en el entorno de los estudios como del trabajo, había ya encontrado varios obstáculos no solo porque soy mujer, sino también porque venía de una país extranjero, de Grecia; porque era muy joven y principalmente porque decidí elegir yo misma los estímulos para formar la primera fase de mi música, sin aceptar los caminos ya marcados que ofrecía la universidad. Esto no significa que no había gente, dentro y fuera del ámbito académico, con horizontes más amplios y que me ayudaron mucho. Los pros y los contras son algo subjetivo para cada uno. Personalmente las dificultades que llegan por ser Mujer Creadora las considero una oportunidad para luchar cada vez más, con dignidad, por lo que creo, por mi Arte, para mejorar yo misma estudiando y manteniéndome informada pero también para apreciar la Persona, a pesar de las cuestiones de género. La igualdad que la mujer una vez reivindicó ya está aquí pero también las dificultades. Las épocas han cambiado, y como consecuencia los conceptos también cambian. Aun así, el conflicto entre hombres y mujeres no va a parar. Lo extraño, lo diferente, incluso si se promueve por razones de moda, sigue tratado como raro y por eso todavía da  miedo. La ecuación es mejor hacerla a base de respeto mutuo, si no es así damos lugar al odio, al aislamiento y a la falta de libertad en todos los aspectos.

«...oneirograph...v.5.spindle» de Anna Stereopoulou 
[Premiere at the Portello River Festival /Padova, Italy]

Pero díme, al escuchar la frase “El Cono Violeta” ¿qué imagen, pensamiento o sensación te viene a la cabeza? ¿Crees que hay algún sentimiento que no se puede expresar totalmdente dentro de una obra visual?

J.T.: ¡Qué pregunta! A ver, con la frase “El ConoVioleta” me vienen a la cabeza imagenes de la pintura cubista, no sé, algún cuadro de Malevich o de Mondrian. Además me da la sensación de una antítesis entre la forma y el contenido, como si el uno tuviera en cautiverio al otro, y eso me provoca cierto estrés, si te soy sincera. Bueno, sobre los sentimientos, creo que todos los sentimientos intensos pueden ser expresados perfectamente a través de la imagen, hay muchas maneras y muchos caminos y cada uno elige el suyo. Por el contrario, considero extremadamente difícil que uno exprese la calma total de manera visual.  Ese momento en que te encuentras en total equilibrio entre tú mismo y el  mundo, no puedo pensar como podría ser expresado porque cualquier imagen podría potencialmente cambiar esta sensación. Al mismo tiempo creo que es casi imposible representar la felicidad, por una parte porque es algo subjetivo, diferente para cada persona y por otra porque los momentos que tenemos en mente como algo claramente positivo no se expresan fácilmente en el Arte.

A mí me gustaría preguntarte: ¿hay momentos en tu camino artístico en los que prefieres alejarte de la composición? Que sientas la necesidad, por ejemplo, de mantener una distancia, y si es así, ¿cuándo te pasa eso? Sé que viajas a menudo, ¿cómo influyen estos viajes a tu música?, quiero decir, ¿te sirven para aislarte o son una oportunidad para la inspiración?  

A.S.: No creo que haya persona alguna que pueda quedar sin inspiración, por el arte, o por la vida en general. La creación de cualquier tipo es la expresión de nuestro mundo interior y esto es un universo en sí. Lo que importa para mí es cómo cada uno busca y crea oportunidades reales, motivos para expresarse o para evolucionar sus sentimientos. Un viaje a otro lugar, una visita a una exposición o al mercado del barrio, leer un libro o un artículo en un blog, tienen la misma dinámica que depende del estado de ánimo en el que cada persona se encuentra.  La inspiración puede llegar de cualquier lugar y en cualquier momento. Personalmente, cuando me informo de un open call de algún tema interesante esto me mueve y me inspira.  Pero existe también la posibilidad de que no trabaje en algunas composiciones mías durante un periodo de tiempo, porque siento que tratan temas que primero tienen que madurar dentro de mí hasta llegar a una fase en la que puedo expresarme de la mejor manera técnica y artística. Estos periodos de silencio o de aislamiento no los puedes programar obviamente. Pero son igual de importantes y creativos que los demás.

Como persona que también te expresas a través de la poesía, ¿de qué manera describirías (con una o más palabras) el medio inmaterial que conmueve el sentimiento?  

J.T.: Como una especie de humo que se aleja de algo  y que llega hasta nosotros, sea para quedar delante de nuestros ojos, confundiéndonos, o  para inhalarlo cambiando la sensación que teníamos hasta el momento. Esta es la imagen que me da.

¿Crees que las imágenes existen antes de los sonidos?

A.S: Exacto. Primero vemos el sonido y luego escuchamos la imagen. Ambos están interrelacionados, tanto entre ellos como con las sensaciones de un ser vivo. Ambos se componen de ondas que transcurren al mismo tiempo a través de la materia. En otras palabras, se trata de diferentes formas de energía que viajan de manera constantemente cambiante, por varios factores, como la densidad, la masa y el volumen de la materia, la temperatura o la memoria. Cada onda –sónica o electromagnética (luz, imagen)- pasa y tropieza en diferentes superficies u otras formas de energía que lo refleja y lo absorbe –del todo o en una parte- y así ayuda a su difusión y a su evolución. Lo mismo exactamente pasa con la emoción, la memoria o el Nous. Cuando un sonido, una luz, una imagen es percibida por una sensación, entonces se activa y trae hasta la superficie cualquier parte que tenga la más intensa y directa conexión con cada uno de nosotros. Creo que se trata de un conflicto eterno y creativo entre los dos y a su vez un desafío de cómo cada artista podrá servir a cada uno de ellos.

Seguimos Ausentes, de Jana Tziveleki, 
de la serie Versión Original Subtitulada

Aparte del lenguaje artístico, ¿qué otro lenguaje/idioma de los que conoces sientes más cercano a ti y qué parte de tu personalidad expresa cada uno de los idiomas que conoces?

J.T.: Encuentro muy interesante esta pregunta, Anna, es algo que he pensado yo misma muchas veces. En general creo que el Arte es la traducción de nuestro mundo interior, -conceptos, pensamientos, sensaciones, emociones- a un lenguaje que llega a comunicarse con el mundo exterior. Cada uno puede elegir cada vez el lenguaje que cree conveniente para trasmitir su idea, en mi caso para visualizar un concepto o si hablamos de escritura para descubrir aquellas palabras que dan sentido a la emoción. Es curioso porque al volver de España, observé que me resultaba más fácil escribir (poesía o microcuentos) directamente en castellano, incluso hice una serie de fotografías con palabras que se llama Versión Original Subtitulada. Con el tiempo me di cuenta de que eso era una necesidad propia ya que a lo que aspiraba entonces era a cerrar las cosas que tenía pendientes en mi relación con España, así que no podría hacerlo en otro idioma que el castellano. Ahora sigo jugando con el castellano en la poesía, pero también escribo en griego artículos y microcuentos, y lo que más me motiva siempre es avanzar en la traducción de conceptos como artista visual.

¿Consideras que existe una diferencia cuando compones música para una obra de teatro o de cine (que pertenece a otro) o cuando creas un trabajo que te pertenece a ti por completo? Además, ¿cómo crees que influye la manera en que tu música llega al público? (si tomamos en cuenta que la comunicación y la difusión de una obra en nuestros días ha cambiado bastante con el uso de internet) es decir, ¿qué significa para ti si tu obra se presenta a nivel local en un concierto o cuando uno la puede bajar desde internet y escucharla en cualquier momento, en cualquier lugar del mundo?


A.S.: Yo no me veo capaz de separar la música que escribo por encargo para otro artista de una obra mía. Lo que sí diría es que la música para una obra teatral o cinematográfica o una conferencia etc., forma parte de mi mundo musical, dándome la oportunidad de estudiar con más profundidad varios temas, que más tarde uso como herramientas, avanzados en mis obras personales. Me doy cuenta de que la composición y también el desarrollo del mismo tema actual de «c i r c e :the black cut:» [el corte negro] incluye muchos elementos de cosas que tuve que investigar en el pasado, sea por interés personal o por otros motivos artísticos. Colaboraciones como “La Lección” (de Ionesco) para la coreografía de Daniel Lommel, “La Danza de la Muerte” (de Strindberg) dirigida por Ioanna Mihalakopoulou, la composición “Helios” para un Congreso de Astrofísica dedicado al Ilya Prigogine (de la Universidad de Insubria en Italia) y también proyectos personales, como “Musas Heliconiadas”, “El Viaje del Alma”, o el “Onirógrafo”, me enseñan el cómo y el por qué he desarrollado una concreta –y espero cada vez más esférica- filosofía del Arte y del Mundo. Y muchas veces me dieron la inspiración para la investigación científica que he empezado estos últimos años. Parte de ella son los factores de cómo cada persona toma en cuenta  varios elementos de la geografía o del tiempo, factores como el clima, la cultura, la historia o la acústica de un espacio, el paisaje y también la propia personalidad y estado de ánimo. Lo considero un regalo que mi música pueda, pues, ser escuchada en diferentes lugares porque esto me ayuda a mí también a escuchar mejor. 

Presentación «c i r c e :the black cut:» /Atenas, deciembre 2015, 
con la participación de Labros Kantzos,  Ana Béjar, Pablo Cobollo.

¿Qué sentimientos tienes al completar una obra, tanto en el momento en que la completas como después de un tiempo? ¿Cuáles son tus proyectos para el futuro? ¿Existe alguna obra o colaboración del pasado que crees que influyó mucho la manera en la que creas hoy?

J.T.: Tengo la sensación de que las personas con las que nos encontramos en la vida y nos influyen de alguna manera no traen algo desde fuera, sino nos están activando algo que ya llevamos en nuestro interior. Sin duda, conocer a la artista zaragozana Lina Vila, acudiendo a sus clases de Género y Feminismo en las Prácticas Artísticas en Zaragoza ha sido fundamental para mí, para tomar la decisión de crear mis propias obras, a pesar de que nunca tuve estudios de Bellas Artes y de que ya tenía más de 30 años.

Mi obra con el título “Sexo”, considero que es importante porque me ayudó a ver mi capacidad de crear y de difundir, fue mi primera obra en participar en una exposición titulada Efímero, en una Galería de Arte en Córdoba (España). Y más tarde con la misma obra participé en la acción artística del grupo de mujeres artistas Yo Expongo en el Reina, donde varias obras de mujeres artistas de todo el mundo se proyectaron en la fachada del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid para promover la visibilidad de las mujeres en el Arte. Y cómo no, al volver a Grecia, el conocer a la artista mexicana Blanka Amezkua y su confianza en mí para gestionar la exposición Wind Within [el viento interior] en su espacio FoKiaNou 24/7 en Atenas el otoño de 2014.

Sexo, de Jana Tziveleki

Ahora bien, para los sentimientos al crear una obra, pues hay intensidad, la alegría de descubrir algo nuevo, a veces angustia, quizás, aislamiento del mundo exterior, te hace medir tus miedos, negociar cada vez cuánto te importa la aceptación del público, y claramente el placer propio de la creación y la capacidad de comunicación. Para cada persona creo que existe un momento concreto en el que se siente segura, que sabe que todo está “correcto”, un momento que no se puede explicar pero que es único para cada uno y es entonces cuando creo que un artista considera su obra acabada. Pasado un tiempo, te agrada ver cómo interactúan tus obras en otros espacios con otras personas y situaciones pero puedes también tomar la distancia de verlos tú mismo de otra manera.

Para el futuro puedo decir que me gustaría presentar en algún espacio adecuado mi proyecto “The [Red] Project” [el proyecto rojo] una vez acabado del todo, es un proyecto que trata de relaciones humanas, consta de varias obras compuestas por diferentes materiales y que están atravesadas siempre por un hilo rojo. Asimismo, pienso seguir con el curso de Mujeres Artistas que estoy organizando y participando en open calls que me inspiren en Grecia y en el extranjero consigo muchas veces exponer mis obras en diferentes ciudades, como por ejemplo pasó en febrero en Madrid con la obra de pequeño formato “Ser/Estar”. Y sigo también con el proyecto que se incorpora a Circe, fotografiando las palabras clave que tú misma nos has dado como inspiración, esto es un work in progress entre otras cosas. Lo importante para mí es que el Arte te permite funcionar con total libertad y eso te da muchas posibilidades y deja siempre abierto el camino por delante. En lo que se refiere a la escritura, estoy participando en un recital de poesía en Atenas, en Marzo, y también colaboro como columnista en algunas páginas web, algo que me permite descubrir cada vez nuevas formas de comunicación. 

Ilusion, de Jana Tziveleki, 
serie Palabras Clave del proyecto Circe, de Anna Stereopoulou

Anna, nosotras nos conocíamos durante un tiempo pero realmente nuestro acercamiento artístico ha empezado con «c i r c e :the black cut:» cuando hiciste un llamamiento a artistas de diferentes partes del mundo a ser inspirados por los conceptos que mueven la esencia del proyecto de Circe. Me gustaría preguntarte, cómo experimentaste tú esta primera fase de Circe, qué emociones te ha dejado el concierto del solsticio del invierno en el espacio de Iris en Atenas y qué le espera a Circe en el futuro. Y aparte de ese proyecto, ¿con qué otras cosas te ocupas en esta fase?  

A.S.: «C i r c e :the black cut:» es un “vehiculo” vivo e universal que todavía tiene mucho para enseñarme. Tiene una dinámica propia y una entidad compuesta por todos los que participan e interactúan entre sí. Esto es lo que en primer lugar inspiró el sonido esférico [surround], - set up de altavoces, manejo en directo que habilita el movimiento circular- que habíamos diseñado con Nick Piliouris para el concierto de Iris, aunque desde el primer momento elegí expresar la Totalidad que lo caracteriza de manera multidimensional y no quise limitarlo en un espacio de concierto. La presentación de Circe consta de tres partes interrelacionadas: Primero, el Album Familiar Vuelo Libre (difusión digital libre  a través de la plataforma española 7MNS Music); segundo, la Exposición Audiovisual (en varios espacios) y tercero, el Estreno musical (en Iris). Circe son Lambros K., Mijalis M., Elsa P., y Samir que interpretaron conmigo la pieza en el estreno. Son las diferentes manifestaciones universales de la Madre -Diosa- Naturaleza, que se glorifican a través de la composición musical, y a la vez son los pensamientos, las memorias y los sueños que tenemos. Es la Gnosis universal que tiene que ser compartida para evolucionar. Es nuestra parte femenina que tiene que unirse –y por eso reconciliarse- con la masculina [y viceversa] para poder expresar la emoción con intensidad, para intensificar nuestras sensaciones. Una expresión libre como ésta se encuentra con más facilidad en el alma de los niños y por eso este año el proyecto dará énfasis a la educación. Con respecto a los patrocinadores del proyecto, ni la manera ni la forma de apoyarnos son aleatorias, ya que se trata de redes artísticas de todo el mundo y plataformas musicales que hacen un trabajo importante ayudando a creadores contemporáneos, para conocerse entre sí y promover y evolucionar su obra, y proteger sus derechos, sin que se sientan de ninguna manera  explotados, como por desgracia vemos que pasa a menudo. 

Cover of «Vuelo Libre» CIRCE Family Album 
[released on 7MNS Music /December 15th 2014]

Pues todo esto me ha inspirado para completar la composición de la pieza. El album  «c i r c e :the black cut:» estará disponible en la primavera 2015, empezando por la pieza «Nectar 0.165''» que acaba de publicarse y funciona como preámbulo temático. Además, a finales de marzo voy a participar en el  Festival Parachute Light Zéro [ACT II, Francia] y al Maratón Musical Mundial contra la tuberculosis que organizan el Global Health Incubator y la estación de radio de Topolò [Italia], mientras que en abril una colaboración reciente con Chris Silver T [Purple Overdose, No Man’s Land] se va a publicar por Plus Timbre.

Nota final de Anna Stereopoulou: A Jana la conocí en un evento en el que ambas participamos a propósito de la película de Maria Douza “El Árbol y el Columpio” [“A Place Called Home”] en la que yo compuse el soundtrack. Desde nuestra primera conversación, sentí que se trataba de una artista con un amplio mundo interior y quise mantenerme en contacto con ella. El comienzo de nuestra colaboración llegó en el momento más adecuado y con toda seguridad Jana –aparte de una amiga- es una de las personas que ha amado a Circe y que ayuda a evolucionar la pieza, la investigación y mi propio Arte también, incluso a través de esta misma entrevista que hicimos entre las dos. Espero que nuestro camino en común siga aún con más creatividad.

  Official Website: http://www.annastereopoulou.gr/
«c i r c e :the black cut:» [a/v report]: http://wp.me/p2zRWp-or



Nota final de Jana Tziveleki: Me gustaría agradecer a Anna por la confianza y la inspiración durante todo el proceso de nuestra colaboración en Circe, por las imagenes que me despierta su música y por esta entrevista que hemos compartido, que ha sido como un pequeño viaje que hemos realizado juntas. Espero que hayan más viajes por delante.

Por último, pero no menos importante, Mil Gracias a La Pasión Griega por acogernos y celebrar de esta manera con nosotras el Día Internacional de la Mujer.